El pop art surgió a mediados de los 50, primero en Inglaterra y después se traslada a Estados Unidos, donde alcanza su máxima expresión. En los años 60, la generación propiamente pop, introduce la idea de trivialidad, de banalidad y fugacidad en el arte, rompiendo así con la estética de lo sublime, de lo eterno y museable, que había sido durante siglos premisas sine qua non de la obra de arte.
El arte pop elevó los objetos de la vida cotidiana a la categoría de obras de arte
Los artistas del pop art plasmaron, con toda su fuerza, la representación directa e indiscriminada de la realidad. El arte pop elevó los objetos de la vida cotidiana a la categoría de obras de arte. Evocaron las imágenes de la cultura popular de masas, de la prensa sensacionalista y amarilla, de la propaganda, del cine y del diseño, respondiendo, de este modo, a la presencia de la televisión, que comenzó a invadir los hogares de miles de personas en el mundo.
No hay otra corriente de arte del siglo XX que haya pasado a formar a parte del uso común como lo ha hecho el pop art.
Su figura principal, Andy Warhol (1928-1987), se convirtió en una auténtica estrella de pop de las artes plásticas. Generaciones enteras se identifican con sus imágenes que normalmente aluden a una crítica irónica y confusa, abierta a cualquier tipo de interpretación. En 1965, se celebró la primera retrospectiva de Warhol en Filadelfia, donde logro el sueño de su infancia de ser una estrella.
Hoy, repasamos 7 obras más emblemáticas de este artista, cuyo impacto fue tal, que también fue conocido como el Papa del Arte Pop.
1. Díptico de Marilyn (1962)
Considerado como uno de sus mejores cuadros, Warhol creó el Díptico de Marilyn, en homenaje a la fallecida actriz, quien murió después de una sobredosis de barbitúricos ese mismo año. Está compuesto por cincuenta tomas diferentes de la fotografía publicitaria que se hizo de la actriz para su película Niágara. El lado izquierdo de la pintura está en color, mientras que el derecho está en un blanco y negro e intencionadamente borroso.
En esta obra se fusionan dos de los temas más recurrentes de Warhol: la muerte y el culto a la celebridad.
La repetición de la imagen de Monroe representa su omnipresente presencia en los medios, con el contraste de colores vivos con el blanco y negro, que evoca su mortalidad
La repetición de la imagen de Monroe representa su omnipresente presencia en los medios, con el contraste de colores vivos con el blanco y negro, que evoca su mortalidad. La pintura ha sido elogiada por encapsular el legado de Monroe, y The Guardian la clasificó como la tercera obra de arte moderno más influyente. Warhol terminó creando varias versiones individuales de la misma imagen.
2. Latas de Sopa Campbell (1962)
En esta obra, realizada entre noviembre de 1961 y abril de 1962, Warhol exhibe 32 lienzos, cada uno de las cuales representa los 32 diferentes productos de sopa ofrecidos por la marca Campbell durante ese tiempo y los mostró todos juntos, como si estuvieran exhibidos en el estante de un supermercado.
Este trabajo creativo muestra la capacidad de Warhol para representar la cultura alimentaria estadounidense. Utiliza la enorme demanda del mercado para este producto y, al hacerlo, comercializa sabiamente su propio arte.
La pintura se vendió más tarde al Museo de Arte Moderno por más de 15 millones de dólares tras la muerte de Warhol.
3. Plátano (1967)
En 1967, sale a la luz The Velvet Underground and Nico, el primer álbum de estudio oficial de la banda apadrinada por Warhol. El artista pop se había aburrido un poco de las artes plásticas y había decidido expandir más el arte a otras áreas de masas, entre ellas el Rock And Roll.
Las primeras copias fabricadas del disco invitaban al propietario a “Peel slowly and see” (Pelarlo lentamente y ver). Al hacerlo, se mostraba un plátano de color carne absolutamente fálico.
Warhol creó de forma consciente un icono para la banda: fácil de ver, escandaloso y supurando sentido del humor
Warhol creó de forma consciente un icono para la banda: fácil de ver, escandaloso y supurando sentido del humor. Actualmente, este disco (obviando su innegable valor musical en el que Warhol participó como productor) es una auténtica leyenda. Apenas se vendieron 30.000 copias y hoy un original se valora en cifras astronómicas.
4. Ocho Elvis de Andy Warhol (1963)
Elvis Presley fue uno de los primeros temas de Warhol. Los ocho Elvis muestra la influencia que tuvo la fotografía en blanco y negro en el artista. Tiene 12 pies de ancho y en ella aparece el famoso cantante estadounidense Elvis Presley con un atuendo de vaquero y se enfrenta a los espectadores con un arma de fuego, extraída de la funda alrededor de su cintura. La obra de arte representada es una publicidad tomada de la película Flaming Star, que protagonizaba el cantante.
Este trabajo se vendió por la increíble cantidad de 100 millones de dólares en 2008
La imagen original se duplica muchas veces y cada imagen se superpone en secciones e impresiona todo el lienzo. Este trabajo se vendió por la increíble cantidad de 100 millones de dólares en 2008. El vendedor fue Annibale Berlingieri, un coleccionista italiano, que lo compró en la década de 1960. El comprador aún permanece en el anonimato, pero se especula que es un nuevo coleccionista de Oriente Medio. Hoy es una de las imágenes más reproducidas y vendidas de Warhol.
5. Mao (1973)
Creada en 1973, Warhol lo hizo en respuesta a la reunión del presidente estadounidense Richard Nixon con el líder chino el año anterior. Este evento puso fin a décadas de tensión diplomática entre los dos países y capturó la imaginación del artista, lo que lo llevó a diseñar cientos de lienzos de Mao, algunos de hasta 15 pies x 10 pies.
No es una celebración de Mao, con las salpicaduras de color que parecen grafitis y la sombra de ojos azul en realidad desfigurando su imagen
Sin embargo, esta pintura ciertamente no es una celebración de Mao, con las salpicaduras de color que parecen grafitis y la sombra de ojos azul en realidad desfigurando su imagen. De hecho, muchos críticos creen que esto refleja la libertad de autoexpresión disponible para los artistas en Occidente, en marcado contraste con la propaganda comunista que representaba la imagen original.
6. Gun (1981)
La muerte surgió como un tema distintivo en el trabajo de Warhol en la década de 1960, con sus retratos de Marilyn Monroe y la serie “Muerte y desastre”.
Sus temores de morir aumentaron en 1968, cuando la escritora Valerie Solanas le disparó y le hirió de gravedad en su estudio de The Factory
Sus temores de morir aumentaron en 1968, cuando la escritora Valerie Solanas le disparó y le hirió de gravedad en su estudio de The Factory. Aunque sobrevivió, se vio obligado a usar un corsé quirúrgico por el resto de su vida, después de que las balas le atravesaran el estómago, el hígado, el bazo, el esófago y ambos pulmones.
La pistola que se muestra aquí es similar a la de punta chata que usó la mujer. Aproximadamente al mismo tiempo que pintaba armas, Warhol también estaba haciendo una serie de dibujos de cuchillos. De hecho, la primera idea fue mostrarlos juntos, con algunas pinturas con signos de dólar, en la Galería Leo Castelli de Nueva York.
7. Botellas verdes de Coca-Cola (1962)
Al retratar ciento doce botellas de Coca-Cola casi idénticas, Warhol creía que la popularidad universal del refresco transmitía un mensaje muy positivo: “Lo grandioso de este país es que Estados Unidos inició la tradición de que los consumidores más ricos compran esencialmente lo mismo que los más pobres ... ”, escribió en su libro, de 1975, La filosofía de Andy Warhol”. “Puedes saber que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y, imagínate, tú también puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola, y ninguna cantidad de dinero puede ofrecerte una Coca-Cola mejor ".
Creada el mismo año en que Warhol comenzó a desarrollar su técnica pionera de la serigrafía, la imagen de una sola botella de Coca-Cola se reproduce en filas regulares sobre el logotipo de la empresa. Se cree que se asemeja a un cartel publicitario, que evoca el amor de Warhol por el consumismo.
